Category: Arte y Sociedad

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Son las 6 de la mañana y el sol deslumbra mi habitación. ¡Cómo extraño las persianas! Así comenzó el nuevo año en el país del natto. Natto      なっとう, olor a queso y de consistencia dudosa. Sin embargo, exquisito en el paladar, y mejor si lo acompañamos con un poco de arroz caliente. Atención son pocos los extranjeros que aprecian este alimento, e incluso no fue tan famoso en la zona de Osaka. ¿Qué es el natto? Es soja fermentada. Resumiendo, es genial para la digestión, para la piel, para todo un poco¹.

Existe un imaginario de la tierra del sol naciente creado por los animes, imaginario que no debe cegarnos. La realidad es diferente, chocante cuando se idealiza una sociedad, pero apasionante si abrimos nuestras mentes. Como cualquier país tiene sus pros y sus contras.

一El lenguaje

Son las 10 am, ¿Aún tengo tiempo? La respuesta: No. El tiempo pasa volando. Tengo que apresurarme para tomar el tren. Importante, calcular un tiempo extra para descifrar los paneles del metro con los horarios, ganaremos segundos de oro. Katakana, hiraga o Kanji. Uno llega acostumbrarse, pero no siempre a comprenderlos. O empiezas a crear tu propia versión de Pokemon Go, Kanji Go. No esperar que te vayan hablar en inglés, es relativo.

Aprender el idioma es una llave para una estadía de largo plazo. Aprender ciertos códigos sociales es fuertemente recomendable, aunque no siempre es lógico y nuestro espíritu puede ir contracorriente.

Acto y palabra, ambos entran en el lenguaje. Resulta cómodo saber que puedes llegar a desenvolverte con simples señas. ¿Esto será siempre suficiente? En un inicio, sí; luego, el contexto cambiará.

Unas palabras mágicas: Sumimasen すみません. Esta palabra divina: Para salir del metro, para llamar al mesero, para disculparse, para interrumpir, etc. Arigato gozaimasu ありがとございます permitirá al vendedor agradecer al cliente por haber comprado. Este punto es sorprendente ya que nosotros como cliente, no debemos responder. Este comportamiento me hubiese costado un jalón de oreja por mi madre. Aquí en estos parajes, es educado no responder. Por otro lado, los japoneses saben cómo elogiar al cliente, y lo escuchamos con la entusiasta frase Irasshaimase  いらっしゃいませ, ¡Bienvenido! expresión de acogida que muchas veces rompe tímpanos. Cuando llegas a descifrar esta frase aguda, ya entras con confianza a una tienda. Sonríe, empiezas a comprender el idioma, alguito o eso crees.

Unos salvos conductos: Tratar de caminar a la izquierda, no es una regla por excelencia, pero ayuda a comprender porque la gente no se cruza en el pase de Shibuya 渋谷区. Buscar los paneles para fumar, esto puede alterar los nervios. No comer caminando, no lo encuentro inusual, al contrario, es un factor para ver la mayoría de las calles limpias. No sonarse la nariz, peor pesadilla al estar en el metro y escuchar el sonido de la mucosidad queriendo explotar en las fosas nasales. No gracias. Al final, se puede ver en las estaciones de metro y en las calles que ninguna regla es absoluta, en especial las dos últimas.

La caligrafía: sea katakana カタカナ hiragana ひらがな, kanji 漢字. Hay un orden a seguir, lo que enriquece el momento de practicar la caligrafía shodō  書道. La posición de los brazos en forma Ha ハ, el pincel vertical, movimientos suaves y precisos. Hay ocho movimientos en un solo kanji, el kanji de lo infinito 永, Ei o エイ (fig.2). Nos convertimos en nuestro propio director de orquesta en el papel, hanshi 半紙. Como notas de Debussy, la tinta negra muestras sus gamas sobre la base clara de su partitura. Sin más decir, el rojo aparecerá para enseñarte los pasos. Gracias  せんせい。

 Bueno ya son las 13h, pasemos algo más colorido.

El lenguaje de las flores: Ikebana 生け花 (fig.3). Acto y palabra en un arreglo floral. Ikeru 生けるque implica viviente, hana 花 o はな significa flor. Es decir, la flor viviente. Esta disciplina es suave como un pétalo, elegante como la sobriedad del agua; pero implica fuerza en las tijeras, observación y tranquilidad. El balance es importante entre la profundidad e identificar la cara de las flores y de las ramas. El conjunto de flores se instala en un kenzan  剣山, una pieza de plomo con varios aguijones de hierro, forma rectangular o circular. El kenzan irá adaptándose a la forma de los vasos como nuestras manos a las ramas. Nuestros ojos irán visualizando el equilibrio de las formas y colores. Voilà, el balance!

二 Otras rutas

Los amantes de los animes irán directamente al paraíso de Akihabara 秋葉原. Pasando horas y a veces días, porque no encuentran la figurilla añorada, al precio justo del bolsillo. Por el momento, dejemos esta estación y sus alrededores. Busquemos un café, distinto a los Maid Cafés.

Son las 17 horas, ¿me atrevo y paso por Shinjuku 新宿沢? La estación más concurrida que haya conocido, en donde un vagón es como el bolso de Hermione, mágico y profundo. Mejor vayamos a otro barrio. No estoy con ánimos para trotar y perderme. Dejamos este video juego para otro día.

Por unos meses viví cerca Shibuya 渋谷区 pudiendo ver la locura de las cámaras desde dentro y fuera del metro, con la finalidad de capturar el momento del cruce peatonal. En un inicio, ir hacia la izquierda ayuda, luego el caminar se vuelve natural y fluido. Este barrio es también concurrido por los fans de la película Hachiko; pero sabían que la escultura actual no es la original, la verdadera fue fundida durante la Segunda Guerra Mundial. Lágrimas no sólo por la película sino también por la pieza perdida. Al menos este Hachiko anda acompañado a veces por unos gatitos. Por otra parte, existe un punto interesante pero menos acosado por las cámaras. Es el increíble mural, The myth of tomorrow de Taro Okamoto (fig.1). Colores y formas vibrantes en forma abstractas que reflejan la tragedia de la bomba atómica. Mural que estuvo perdido por años, encontrado en México y transportado a Japón en 2006.² De este punto, podemos ir a pie Harajuku. Ahí podrán encontrar uno de los tantos cafés gatuños o pasar un momento tranquilo en el café de Nezu museum con su bello jardín lleno de Iris.³ (fig. 4)

Ya son las 19 horas, es la hora de cenar. Si seguimos a pie, llegaremos a Shimokitazawa下北沢 . Este barrio sorprende cada vez, es un ejemplo como cambia constantemente Tokyo; aunque los trabajos de la estación están tomando unos años. Es una zona pintoresca por su comercio y arquitectura. Denominado como el barrio Vintage, moda y arte, se puede encontrar distintos tipos de restaurantes y cafés como Darwin Café, como un pequeño museo de ciencia natural. Ya comienzo a cambiar de humor, vayamos por un ramen, quizás un poco de fila, pero avanza rápido. Atención, es bien visto hacer ruido cuando se come los fideos, pero más que intente, no lo logro. Astucia si la cantidad no es suficiente y les queda aún caldo pueden pedir un poco más de fideos diciendo Kaedama onegaishimasu かえだま おねがいします, es decir, por favor, un segundo bolo de fideos. El ramen en Japón es otra cosa, es delicioso おいしい⁴.

Ya son las 21 horas. Pasemos por Tollywood⁵ para cortar camino y llegar a la estación. Nuevamente hacer fila y esperar el metro. Espero que los vagones no estén fatalmente llenos ya que la mayoría de pasajeros vienen desde Shinjuku, es decir, ahora se descubrirá el espacio infinito de Odakyu Line 小田急線. Felizmente todavía no llega el verano, pero ya se siente como una sauna.

三 Dos lunas

En el tren, luego de una jornada intensa. Podremos observar diferentes tipos de pasajeros. La gente sentada leyendo, mirando el teléfono móvil, mirando arriba o abajo, aquellos que duermen tanto sentados como parados. Se termino el día, ¿Habrán sido cien por ciento eficaces? Aquí se presenta el dilema, trabajar mucho no implica siempre ser eficiente.

El espíritu gambate がんばって: ¡ánimo tú puedes! ¡qué talentoso! ¡estás mejorando! Estas frases son tan entusiastas como la bienvenida al cliente, saben cómo motivar. Este estímulo está ligado a la perseverancia, a la disciplina y a la curiosidad. Estos puntos me agradan de la sociedad japonesa. Hay que seguir adelante, caerse y levantarse. Dar un paso atrás como el puma, para tomar vuelo, saltar y para conseguir lo deseado con garras felinas.

Katsushika Hokusai es un ejemplo de este espíritu. Un esfuerzo constante como hace el pianista que desea perfeccionar la técnica.

« … from the time I was 6 until I was over 80 not day went by I didn’t take my brush and yet I still can’t even paint a single cat. It won’t come out as I wish…»⁶

Un proverbio chino nos dice que un artista necesita tres cosas: la mano, el ojo y el corazón. Este amor para continuar haciendo lo que nos apasiona a lo largo de nuestra vida.

“until the age of 70, nothing I drew was worthy of notice. At 73 years I was somewhat able to fathom the growth of plants and trees, and the structure of birds, animals, insects and fish. Thus when I reach 80 years, I hope to have made increasing progress, and at 90 to see further into the underlying principles of things, so that at 100 years I will have achieved a divine state in my art, and at 110, every dot and every stroke will be as though alive. Those of you who live long enough, bear witness that these words of mine are not false.’ [translation by Henry D Smith II]” ⁷

El espíritu perfeccionista. Las ganas de seguir adelante pueden tener un extremo negativo y como cualquier extremo, las consecuencias no son siempre las anheladas. Cuando se pierde la pasión y el deber se vuelve sombrío, la palabra deshonor aparece. No considero que se deba llegar al límite de la vergüenza si se falla. Para los 外人Gaijin o extranjeros, se sorprenden al ver este esfuerzo físico que pueden realizar los locales para tener una uniformidad y una buena imagen frente al deber. Esto conlleva que a veces el extranjero se sienta perdido. Aunque estemos bajo el mismo cielo. Nosotros vemos una luna y los japoneses ven otra. Quizás Haruki Murakami tenga razón, respecto a los littles peoples (pequeñas personas). Ellos tejen una burbuja en nuestro imaginario, luego cuando explota, nos quedamos indefensos. ¿O hay una tercera luna?

Quizás vayan a condenarme por mi espíritu optimista, pero guardo en mí el sabor agridulce de la exquisita cultura japonesa. Saber adaptarse no es tan simple como lo pintan. Esta vivencia llena mi viejo diario de viaje y mis ganas de seguir aprendiendo sobre este país. Ya es hora de ir a dormir. お休みなさい⁸。

Nota: Un detalle sin importancia, no mirar a los ojos. ¿Mal educado o educado? La respuesta es la última opción. Para los tímidos o con problemas visuales, este acto les caerá a la perfección. Sin embargo, tienen que estar atentos y no sucumbirse en sus pensamientos. El sentido de la vista será la audición. Tampoco no es un acto general, sólo más común en los hábitos de esta sociedad.

Aclaraciones:

• Aquí sólo he querido mostrar algunos aspectos de mi experiencia grata.

• Hokusai utilizó la palabra manga pero diferente al manga moderno. El tema es amplio y corto para analizarlo en estas líneas.

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¿Quién no ha tenido aquellos profesores que con un comentario sarcástico saben ponerte en tu lugar e influyen en tu deseo de adquirir más conocimientos? Dejando una marca difícil de borrar. Durante el verano del 2016 en Japón. Caminando por Kyoto, el recuerdo de mis mentores apareció en una imagen: el cartel de Lucia. En aquel momento recordé una clase sobre el tema, y pensé que quizás en esos años, consideraba imposible que algún día fuese a ver el cartel en directo. Sin embargo, en ese verano pude visitar el Museo Nacional de Arte Moderno de Kyoto (MOMAK), y ver la exposición sobre los Carteles cubanos de cine. Fue una coincidencia estar en Kyoto, justo en los días finales de la exposición y finalmente conocer a Lucia.

1. ¿Cuál es la razón de mi entusiasmo?

Citando a los conservadores de la muestra, ¿usted sabía que la isla de los mojitos, de la salsa y de los tabacos, es además el país de los movies pósters? Los pósters cubanos son ricos en colores animosos y en formas dinámicas, son un reflejo de La Habana. Estos afiches de cine tienen el ritmo de la guantanamera.

Los Carteles Cubanos de Cine tuvieron una primera presentación en el Museo de arte moderno de Tokyo a principios del año 2016, del 7 de enero hasta el 27 marzo. Luego, se expuso en el Museo de arte moderno de Kyoto entre el 1 de junio al 24 de julio del 2016. El MOMAK, presentó una colección de 85 pósteres, desde el período revolucionario hasta alrededor de los años 90. Estos forman parte de la colección de Takeo Poster Collection, almacenados en la Universidad de arte de Tama en Tokyo. Para visualizar el ambiente, los carteles cubanos se localizaban entre las obras del pintor japonés Kozo Mio y del artista alemán Max Ernst.

2. ¿Cuál fue el papel que cumplieron?

Los carteles cubanos presentaban un enfoque de la película, yendo más allá del contenido. El diseñador tenía un rol importante, al igual que el director. Ya que ambos, película y cartel pueden apreciarse independientemente como obras de arte. Hay una lectura semiótica entre la imagen y la palabra. De cómo los carteles atraían al público. Así, los artistas cubanos se sirvieron de este diseño gráfico, como un medio de educación visual, donde la letra se convirtió en una imagen indispensable. Como indica Massin la lettre n’est pas seulement un signe, c’est aussi un motif décoratif ¹. La letra se convierte en una imagen, sumergida entre líneas y colores, con formas caricaturescas. Por otra parte, se comprende lo dicho por Gauthier Guy, que los afiches tuvieron una importancia en la vida de los cubanos sobre todo en los años 60, porque éstos fueron un medio de información al igual que la radio, e incluso se le consideró como una escuela paralela y jugó un papel importante para la revolución. Debido que en su mayoría los carteles eran fácil a comprender visualmente por el pueblo cubano, motivándolos a asistir a los espectáculos cinematográficos. Entonces, el cartel fue el primer paso hacía el cultivo de un espíritu analítico. Además, la imagen móvil se desplazó por medio de los movies bus.

Los movies bus iban a diversos pueblos, en donde proyectaban las últimas películas cubanas e internacionales. Alfredo Guevara, director y fundador del I.C.A.I.C (Instituto Cinematográfico de Cuba), indicó que el objetivo no era simplemente una proyección del filme sino concientizar al espectador y enseñarles a ser críticos de lo que observaban en las pantallas. Promoviendo cursos de la historia del cine, de la técnica audiovisual, explicando el uso de los efectos especiales y de la importancia que juegan todas las artes para crear una o varias escenas. En un inicio este proyecto tenía el apoyo del gobierno castrista pero poco a poco fue alejándose de la convicción revolucionaria, implicando una dualidad en su misión inicial. Esta enseñanza traería consecuencias debido a que mostraría no sólo la realidad cubana sino la vida en otros países. Abriendo nuevas perspectivas al observador.

3. ¿Cómo salieron al mercado?

Unos de los primeros organismos que promovió esta forma de grafismo luego de la revolución cubana fue el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica (I.C.A.I.C), creado en 1959. Entre otros organismos encontramos: La organización de solidaridad de los pueblos África, Asia y América Latina (O.S.P.A.A.A.L.), el Consejo nacional de la cultura (C.N.C.), la Casa de las América. Cada organización se resaltaba por un tipo de propaganda. Por ejemplo: O.S.P.A.A.L. publicaba anuncios en forma anónima, llamando a la solidaridad frente a los problemas sociales, económicos y políticos en países como Vietnam y Palestina. La C.O.R difundía afiches con eslóganes del partido comunista, con la imagen de los héroes de la revolución cubana. C.N.C implicada en las manifestaciones culturales como el ballet y el teatro. La Casa de las Américas editaba sobre todo libros destinados a América Latina. Entre estas instituciones, es la I.C.A.I.C que se dedicó a los afiches de cine y a su difusión.

El mercado cinematográfico conoció los carteles cubanos con películas propiamente cubanas, así como su participación en filmes internacionales: japoneses, italianos, estadounidenses, argentinos, húngaros entre otros. La mayoría bajo el apoyo del Instituto Cubano de arte e industria cinematográfica (I.C.A.I.C), éste también respaldaría la música con Silvio Rodríguez en la cabeza, pero sería de corta duración. El gobierno promulgó una ley seca, prohibiendo los bares y los conciertos.

El desarrollo de los pósteres fue madurando y marcando su posición poco a poco. Formando parte de exposiciones específicas como sucedió en el Salón 26, organizada en La Habana el 26 de julio de 1970, donde se reagrupó 553 obras de 86 autores. Formando una identidad artística cubana por el gusto a los colores vivos y a la vitalidad del ambiente tropical de la isla. Además, reflejan la influencia del comic y del pop art con los trabajos de Andy Warhol², del grafismo japonés con Shigeo Fukuda³. También, la influencia de los afiches americanos de Saul Bass⁴ y de Milton Glazer⁵ . Esta mezcla de la Cuba colonial y de la Cuba moderna, luchando por su libertad y su autenticidad.

4. Cuba en Asia y América

El MOMAT y el MOMAK permitieron al espectador sumergirse en los carteles y en la historia del cine cubano, dar a conocer su grafismo. Entre las películas internacionales se encuentran: Los puños en el Bolsillo del director italiano Marco Bellocchio, con diseño de Eduardo Muñoz Bachs. La película española Cría Cuervos de 1977 por Carlos Saura, póster diseñado también por Muñoz Bachs. Los Pájaros de Alfred Hitchcok de 1963. Y el Masajista Ichi o Zatoichi, El Fujitivo de Tokuzo Tanaka de 1963. Póster de Alfredo Gonzáles Rostgaard de 1968. Rostgaard es uno de los tantos artistas que participó en el ICAIC y OSPAAL.

Es esencial explicar cierta información sobre el Fugitivo para comprender el afiche de Rostgaard (fig. 2). Primero, el masajista Ichi es parte de una serie de películas. El Fugitivo es la número 4 de 26 episodios, realizados entre los años 60 y hasta finales de los años 80. El año 2003 salió una nueva versión por Takeshi Kitano. Segundo, la historia de esta serie de Zatoichi o Ichi, sucede en el Japón del siglo XIX. Ichi es un viajero ciego, conocido como el masajista. Su discapacidad no es un obstáculo para que éste sea un experto en jugar a los dados y en maniobrar la Katana. Respecto al trabajo de Rostgaard. En primer plano, la figura de un hombre asiático de perfil, Zatoichi, cabello sujetado, vestido en traje tradicional y sostiene en una mano un sable. Rostgaard realiza un juego óptico con el movimiento de la mano; es decir, podemos creer que hay dos brazos, pero en sí observamos el movimiento de uno solo. Este efecto implica que Ichi es un as de la espada. Además, un detalle significativo, es la delicada línea en la cara que marca la silueta del ojo, como si éste estuviese cerrado; dato interesante y quizás de fácil entendimiento al conocer el relato. En segundo plano, un fondo de colores naranjas y rosados intensos, como si fuesen rayos de luz que se expanden cuando el masajista entra en acción. En un tercer plano final, se puede leer los datos de la producción, el nombre del director Tokuzo Tanaka y los actores -Shintaro Katsu, Miwa Takada, Masayo Banri- . En la parte inferior del margen se lee el nombre del artista y la fecha de creación. Esta cinta es considerada como un gran canto fúnebre del paria inválido japonés, quién sale triunfante sobre un fondo de colores vivos, símbolo de su fortaleza interna.

La película de Hitchcock, Los Pájaros salió en las pantallas en 1963. Y La Habana encargaría a Silvio Martínez Cabrera realizar el cartel en 1975 (Fig. 3). El color que resalta es el azul oscuro. Y como si fuesen pinceladas rápidas, se puede identificar las siluetas de aves en vuelo, que parten luego que sus garras dejasen una huella amarilla y roja sobre el fondo azul. Como si éstas hubiesen luchado para salir al cielo anaranjado. Martínez Cabrera nos presenta un contenido ligero, resaltando el título Los Pájaros en blanco. ¿Cómo habrá reaccionado Hitchcock al ver esta presentación? Quizás de la misma manera que Daphne du Maurier#sdfootnote6sym cuando vio su libro en pantalla grande. Sabemos que el artista americano Saul Bass#sdfootnote7sym ya había sorprendido a Hitchcock con su afiche de Vértigo de 1958. Observando tanto la obra de Martínez Cabrera como la de Bass, se puede apreciar cierta influencia de éste en el grafista cubano.

Lucia dirigida por Humberto Solas en 1968. Afiche realizado por Raúl Martínez⁸ (Fig. 4). Martínez supo cómo representar el contenido en un fondo amarillo con colores fosforescentes. Colores intensos como la lucha de las tres Lucias. La primera Lucia durante la guerra de independencia alrededor de 1895, la segunda durante la lucha contra el dictador Machado en 1933, y la última en los primeros años de la revolución en 1960. Tres mujeres, tres rostros, tres épocas distintas, pero con un objetivo en común, la búsqueda de una liberación e identidad femenina. Tres mujeres frente a la realidad de la Cuba de sus tiempos, probaron el gusto amargo de la desigualdad de género en una tradición machista y conservadora. El qué dirán y los problemas políticos pasaron antes que ellas, mostrando que la situación de las Lucias no había cambiado desde 1895 hasta 1960. Por otra parte, las tres imágenes repetitivas de los tres rostros de Lucia, nos recuerda la imagen de Elisabeth Taylor de Warhol. Es decir, la figura de la mujer como un objeto arbitrario de la consumación. Ahora, ¿Cómo es la Lucia de nuestro tiempo?

Referencias

Cuban Posters for films, from the Takeo poster collection.

Gauthier Guy. L’affiche à Cuba. In: Communication et langages, n°9, 1971. pp. 42-54. doi: 10.3406/colan.1971.3852

Fresnault-Deruelle Pierre. Pour l’analyse des images. In: Communication et langages, n°147, 2006. Internet, optique du monde. pp. 3-14. doi: 10.3406/colan.2006.4570

Massin. La lettre et l’image. In: Communication et langages, n°6, 1970. pp. 42-53. doi : 10.3406/colan.1970.3800

1 La letra no es solo un signo sino también un motivo decorativo.

2 Andy Warhol, (1928-1987) artista estadounidense, una de las figuras del arte contemporáneo. Para mayor información:  https://www.warhol.org/museum

5 Milton Glazer, es también considerado como unos de los grandes grafistas estadounidense. https://www.miltonglaser.com

6 Daphe du Maurier (1907-1989), escritora británica, autora de Los Pájaros publicado en 1952.

7 Bass habría diseñado el storyboard de Psicosis, en la creación de la escena de la mujer en la ducha, luego Hitchcok la retomaría.

8 Raúl Martínez comienza su período artístico durante los años 50. Conocido por su trabajo gráfico en “Isla 70”, siendo unos de las obras más importantes del Salon 70. Lucia por I.C.A.I.C, Centaire Lénine por C.O.R.